[Le Site] (de Valentin Villenave.)

Écrivons une WikiSong !

Valentin Villenave — 2011-01-25T17:35:00Z

Appel aux bonnes volontés : aidez la communauté (et moi-même) à écrire un hymne pour Wikipédia, à l'occasion de ses 10 ans !

Bonjour tout le monde,

S'il vous arrive de parcourir mon [Site], vous aurez sans doute remarqué (non ?) que j'ai quelques idées fixes, notamment les licences Libres en général, et en particulier lorsqu'elles permettent l'accès de tous à la culture et au savoir. La plus belle réussite, dans ce domaine, est évidemment l'encyclopédie Libre Wikipédia 1, qui fête aujourd'hui ses 10 ans (encore quelques liens).

Wikipédia, ce n'est pas que la masse indistincte de ses lecteurs et contributeurs occasionnels ; c'est aussi les gens qui se décarcassent, de façon tout à fait bénévole, pour faire tourner la baraque dans l'ombre. En particulier, dans le cas présent, l'association Wikimedia France 2 et ses adhérents.

Bref, ayant un peu honte d'avoir été un si mauvais citoyen jusque là en ne contribuant ni à l'encyclopédie elle-même ni à ses rouages, je me demandais l'autre jour ce que j'aurais pu faire pour donner un coup de main, ne serait-ce que symbolique... Et voici l'idée qui m'est venue : et si on écrivait... une chanson ?

Les WikiSongs3 sont des chansons écrites par des Wikipédiens, au sujet de Wikipédia. Il en existe déjà de nombreux exemples, en anglais et toutes construites sur des chansons existantes (« protégées » par le droit d'auteur), ce qui empêche de les diffuser largement et Librement.

Un modèle plus recommandable est sans doute la Free Software Song de Richard Stallman, écrite sur l'air d'une mélodie populaire Bulgare à sept temps (ou trois temps inégaux).

(et si vous aviez un navigateur décent, vous pourriez l'écouter ici-même...)

Alors bien évidemment, ce projet n'aura une chance d'aboutir que si la communauté Wikipédia (et vous-même, chers lecteurs) me donne un coup de main. Il suffirait de quelques Wikipédiens aguerris, motivés et inventifs, pour rédiger les paroles de cette chanson : le jargon Wikipédia, par exemple, permettrait sans doute des choses assez rigolotes4...

La partition serait bien évidemment éditée (par mes soins) au moyen de GNU LilyPond, et publiée sous une licence Libre. Quant à ce qu'il en adviendrait par la suite, il existe déjà des pistes pour la représenter en public mais... n'anticipons pas : si tout se passe bien, ce sera le sujet d'un prochain billet ici-même. (Comme l'auront déjà remarqué les habitués de ce [Site], j'aime bien rendre compte au fur et à mesure des processus d'écriture )

Dans l'immédiat, j'appelle de mes vœux vos contributions dans les commentaires ici-même ou sur la page Wikipédia dédiée au projet (sans oublier la page de discussion qui y est associée). Faites-nous connaître vos idées les plus farfelues : plus on est de fous, etc.

À bientôt si tout va bien !

Valentin.

Voir en ligne : Projet WikiSong, spécial 10^e anniversaire

[1] J'en suis un inconditionnel mais je n'y ai jamais contribué moi-même — sauf de façon anonyme et honteuse, dans les tous premiers temps de sa version francophone. Non, je ne mettrai pas de liens

[2] Association à laquelle j'ai décidé d'adhérer il y a quelques mois après un échange avec ses dirigeants suite à une sombre ignominie ; j'étais alors en désaccord (et je le suis toujours) avec leurs choix, mais je suis bien placé pour savoir combien ce genre de responsabilités sont ingrates...

[3] Aucun rapport avec le site non-Libre du même nom.

[4] Le texte de la chanson serait d'ailleurs destiné à être travaillé et publié en bilingue, dans l'idéal.

Travaux d'élèves : le Projet Pinocchio !

Valentin Villenave — 2009-09-25T13:31:02Z

Bonjour tout le monde,

comme vous le savez peut-être, je suis bourré de grands principes à la con ; et l'un de ces principes est qu'il est impossible de comprendre réellement les pièces que l'on joue si l'on ne s'est pas, une fois dans sa vie, assis à une table pendant cinq minutes pour écrire de la musique.

(Pour certains de mes élèves comme pour moi-même, le RER peut remplacer avantageusement la table en question.)

Avec cette idée en tête, j'ai cette année convié mes élèves à prendre part à un petit travail d'écriture, que dis-je de création même : écrire chacun(e) au moins une petite pièce pour piano, pas trop longue, pas trop difficile.

Et comme ça va toujours mieux en racontant des histoires, ce projet s'est articulé autour de... l'Histoire de Pinocchio.

Tel est le travail que nous avons aujourd'hui la joie et la fierté de vous présenter. Les différentes pièces de ce recueil ont été créées par leurs auteurs en public lors d'un concert en plein air à l'occasion de la Fête de la Musique 2009.


Projet Pinocchio - La partition: Cette partition a été compilée sous forme de fichier PDF, prêt à être imprimé et déchiffré !


Projet Pinocchio - le code source: Cette archive contient tout le code source du Projet, images comprises. Pour vous en servir, vous aurez besoin d'un éditeur de texte et de LilyPond.

Comme vous pourrez le voir, il y a de tous les styles et c'est souvent plus « contemporain » que l'on pourrait s'y attendre. J'insiste sur le fait qu'il s'agit pour la plupart d'une toute première expérience en matière d'écriture ; si j'ai servi à encadrer le travail et à donner quelques conseils, je n'ai pas rédigé la moindre mesure par moi-même.

Un peu de la même manière que l'avait fait le compositeur Francis Poulenc dans les années 1930 avec l'Histoire de Babar le petit éléphant, nous nous sommes servis du découpage en chapitres (obligeamment résumés par Wikipédia) pour illustrer l'histoire.

Si certain(e)s élèves ont choisi de travailler très près du texte (en recopiant même des fragments du récit sur leurs brouillons), d'autres s'en sont assez vite éloigné(e)s, la plus jeune de la bande ayant même fini par rédiger... une étude pour piano 1

Bref, une expérience fort appréciable, et dont j'espère qu'elle suscitera quelques vocations — j'en profite pour signaler que nous sommes loin d'avoir couvert la totalité du récit, il reste donc largement la place pour un deuxième volume à venir !

Valentin.

[1] Le morceau de Kenza n'est pas encore terminé au moment où je publie cet article ; vous le trouverez commenté dans le code source.

Et si on écrivait un morceau ?

Valentin Villenave — 2009-03-23T12:38:01Z

Sommaire

Bonjour tout le monde ;

Mes élèves ne l'ignorent pas, je suis un acharné de la récup' pédagogique ; toutes les situations, toutes les rencontres me fournissent des prétextes pour fourguer ma salade. Quelle salade au juste ? Disons que je me sens concerné par l'avenir de la musique, de la création et de la culture « savante » en général. À une époque où l'on est constamment exposé à des produits industriels de consommation immédiate (ce qui est très bien) qui se font passer pour « LA » culture (ce qui est plus ennuyeux), je suis frappé de voir, par exemple, que pour mes élèves un compositeur c'est un bonhomme en perruque qui vivait il y a trois cent ans et dont tout le monde se contrefout.

Une commande peu banale

C'est pour cela que j'ai été ravi, il y a quelque temps, de recevoir un petit mail d'un groupe de lycéens que j'ai rencontré à Montpellier, et qui a assisté à une représentation de mon opéra.

Nous avons beaucoup réfléchit tous les 4 au sujet d'une oeuvre que nous souhaitons te commander.

Nous sommes un ensemble très lié constitué d'une tromboniste, un violoncelliste, une harpiste et un percussionniste. Nous pensons que la variété de ces instruments peut te permettre de créer des combinaisons d'ambiances et de couleurs peu communes et exceptionnelles.

Nous souhaiterions avoir ton avis sur ce projet sachant que nous sommes très motivés.

(Eh... Quand même...

... on peut dire qu'ils savent la vendre, leur salade, hein ? )

Je leur ai dit la même chose qu'à mes élèves : « OK je marche, mais nous allons faire ça ensemble, pour que vous soyez de plus en plus autonomes vis-à-vis de moi ».

J'ouvre donc ce billet pour que nous puissions réfléchir et discuter ci-dessous de l'élaboration de ce projet, tous ensemble et publiquement.

Le casse-tête commence

Je vous présente donc :

Camille, qui fait de la harpe

Cécilia, qui joue du trombone

Raphaël, qui fait du violoncelle

Clément, qui tape sur des percussions.

Voyez-vous venir le casse-tête ? Moi, oui.

On a d'abord un déséquilibre dans les intensités : de tous les instruments d'un orchestre, le trombone est le plus puissant et la harpe un des moins puissants. Les percussions peuvent aller très fort (mais tous les percussionnistes ne sont pas des brutes quand même, hein Clément ?) ; quant au violoncelle, cela dépend de son écriture.

Ensuite, un déséquilibre de tessitures : le trombone et le violoncelle sont des instruments plutôt graves, et les aigus de la harpe ne sont pas assez puissants pour passer par-dessus.

Enfin, des écritures instrumentales très différentes. Le trombone est un instrument monodique ; la harpe est un instrument harmonique, le violoncelle peut faire un peu des deux (mais surtout de la monodie), et les percussions... euh, bin vous m'avez compris.

Un atout du violoncelle est qu'il peut donner des notes très aigües, qui sont à la fois expressives et puissantes. Par contre, cela demande un très bon instrumentiste. Raphaël ?

La harpe peut avoir un langage très rythmique, que ce soit par des accords ou en tapant sur la table d'harmonie (comme le font les guitaristes de fandango). Ce qui pourrait, éventuellement nous servir de contrepoint aux percussions.

Le percussionniste, dans l'idéal, pourrait trouver un instrument qui fasse des notes : timbales, xylophone, vibraphone ou marimba. Clément, tu aurais ça quelque part ?

Le trombone, enfin... bin, le trombone, il fait ce qu'il a à faire et il essaye de jouer juste.

(Je dis bien, il essaye )

Bref, le but va être de différencier les instruments le plus possible pour qu'on les entende bien tous les quatre : par exemple, si je fais jouer une même phrase à l'unisson au violoncelle et au trombone, ce n'est même pas la peine que le violoncelle joue car on ne l'entendra pas.

Parlons de la forme

Bon, dans l'immédiat on va essayer de se poser la question de la forme de la pièce. Durée (à peu près), tempo, caractère ?

Je laisse cette question en suspens, d'autant qu'elle dépend des instrumentistes eux-même. Si on fait un chant élégiaque très lent, c'est sympa pour la harpiste, ça l'est moins pour le percu qui va s'ennuyer ferme, et quant au tromboniste il va s'asphyxier dès la deuxième mesure. Par exemple.

Et puis, tant qu'on y est dans la récup'...

Je vais juste en profiter pour citer quelques morceaux qui me viennent à l'esprit pour que tous les lecteurs qui voudraient suivre la discussion se mettent bien dans l'oreille le son des instruments en question.

Harpe : écoutez donc le dernier mouvement de la Sonate de Debussy, la harpe y joue un rôle moins chantant et effeminé que d'habitude.

Percus : un pièce contemporaine d'Éric Tanguy (que j'ai pas mal fréquenté passé un temps).

Trombone : alors là, je vous conseille grandement le début de ce morceau du tromboniste de Jazz Slide Hampton, qui est un de mes morceaux préférés.

Violoncelle : Le must absolu est bien sûr le concerto de Chostakovitch.

C'est une musique assez perturbante, mais prenez un moment pour vous laisser convaincre. Sinon, vous pouvez bien sûr vous rabattre sur l'Élégie de Fauré qui aura peu de chances de vous traumatiser. Le premier morceau montrait le côté brutal du violoncelle, le second montre son côté chantant.

Voilà, c'est tout pour aujourd'hui. La suite plus tard et ci-dessous dans les commentaires.

Mise à jour, deux ans plus tard... Finalement nous n'avons guère avancé, en partie par manque de disponibilité de ma part... Cependant je me suis servi des esquisses réalisées à cette occasion pour ma petite pièce intitulée Danse Kàla, et je garde un très bon souvenir de ce projet. même s'il n'a pas été aussi loin qu'il le mériterait.

En tout cas, un grand merci à Camille, Cécila, Raphaël et Clément ; bon courage à vous quatre pour la suite de vos études !

Exercice 8

Valentin Villenave — 2008-04-30T12:10:39Z

Cet exercice est à la fois fondamental et très délicat à travailler. Si vous ne le jouez pas très lentement et dans la détente la plus complète, vous risquez de dangereuses crispations — et dans ce cas il ne vous apportera rien, bien au contraire !

Sommaire

Voici l'exercice numéro 8, extrait des 51 exercices de Brahms. Il s'agit d'un exercice en arpèges, toujours avec les deux mains en parallèle.

Vous en profiterez pour noter les harmonies un peu sophistiquées de Brahms ; il est rare de tomber sur des exercices aussi recherchés harmoniquement !


Exercice 8 - J. Brahms (page 1): exercice d'arpèges en double-croches, les deux mains en parallèle


Exercice 8 - J. Brahms (page 2)

Pour la petite histoire, cet exercice est le tout premier que je voulais poster sur le [Site] lorsque je l'ai ouvert il y a six mois ; cependant j'ai dû attendre car un ennuyeux bug de LilyPond empêchait la partition d'être parfaite.

L'exercice est en deux parties, la première aidant à préparer la seconde. Naturellement, je vous conseillerai vivement de rester sur la première partie aussi longtemps que nécessaire.

Examinons les difficultés. Elles sont de deux natures :

extension (intervalles larges, notamment entre le 3-4 et le 4-5 en descendant)

passage du pouce (uniquement dans la deuxième partie de l'exercice).

Extensions

Les extensions ne sont pas un exercice de gymnastique. C'est totalement différent de l'entraînement destiné, par exemple, à faire le grand écart avec ses jambes. Elles se prennent toujours en levant le poignet et en faisant un geste très arrondi, les doigts presque debout sur les touches.

Pour mieux comprendre cette posture, vous pouvez faire le geste suivant, dans le vide : levez légèrement votre bras à l'horizontale, le coude plié, comme si vous vouliez regarder l'heure à votre montre de façon très snob, très je-me-la-pète, en laissant pendre votre main, complètement détendue. Cela vous donnera une idée de la position de la main que je cherche à obtenir dans cet exercice ; la main et les doigts très détendus, le poignet bien haut et mobile.

Le poignet va aider les doigts à faire les extensions, en accompagnant la main. Quand la mélodie monte, le poignet suit chaque note en se déplaçant vers la gauche (il peut même se pencher un peu pour aider le 5 à être bien debout) ; quand la mélodie descend, même chose en sens inverse.

Passage du pouce

Je le répète : ne vous attaquez pas à la seconde partie avant d'être parfaitement à l'aise dans la première.

Le pouce passe ici après le 4, c'est donc un passage assez délicat, et là encore, qui risque de vous crisper. Prenez-le comme les extensions, très lentement, en détente et avec le poignet bien haut (c'est infiniment plus facile quand le pouce est quasiment debout sur la touche).

Le but du jeu, en passant le pouce, est de ne pas tordre le poignet, et de ne pas non plus monter le coude... (soupir)

Pour cela, et pour ne pas se crisper, évitez de chercher à réellement passer le pouce derrière le 4. C'est plus une question de « propulsion » :

main détendue sur le 4 > hop je place le pouce > tout de suite je détends à nouveau la main, en m'appuyant sur le pouce.

En d'autres termes, le pouce ne reste derrière le 4 (en position crispée) que pendant une infime fraction de seconde. On privilégie, évidemment, la position détendue.

Prenez votre temps !

Cet exercice est donc difficile. Comme vous l'aurez remarqué, chaque mesure peut (et doit) être répétée plusieurs fois : là encore, autant de fois que nécessaire. Je vous conseille donc, comme je l'ai déjà dit et redit, d'y aller très progressivement, en pensant bien à tout cela.

Voici la partition :


Exercice 8 - J. Brahms: Domaine public

Et les sources, si vous avez besoin de la modifier :


Exercice 8 - code source LilyPond: Pour utiliser ce fichier, ouvrez-le dans n'importe quel bloc notes, modifiez-le si vous voulez, puis compilez-le avec le logiciel LilyPond.

Bon courage !
Valentin.

Robert Schumann : Wilder Reiter

Valentin Villenave — 2008-03-13T11:56:54Z

Dans le cadre de ma série d'articles sur les chevaux, je me devais d'évoquer ce morceau que beaucoup de mes élèves reconnaîtront sans doute...

Sommaire

Robert Schumann (1810- 1856) est un compositeur allemand de l'époque romantique. Sa vie est un récit passionnant, sur lequel nous aurons l'occasion de revenir un de ces jours (dans l'immédiat, n'hésitez pas à suivre le lien pour le découvrir).

L'instrument de prédilection de Schumann est sans conteste le piano, à tel point que même lorsqu'il écrit pour d'autres instruments ou pour l'orchestre, on a toujours l'impression d'une partition pour piano. Parmi ses très nombreuses oeuvres pour piano, l'une des plus connues est l'Algum pour la Jeunesse op.68, un recueil de pièces de difficulté variée, à la fois courtes et très représentatives du style romantique de l'auteur.

La petite pièce que je vous propose a été éditée par Philippe Hézaine pour le projet Mutopia. J'ai gardé le titre français choisi par Philippe, même si, pour être strict, le titre allemand se traduit par Cavalier sauvage (et non pas Le Cavalier sauvage)1.


Wilder Reiter, Robert Schumann

Comme d'habitude, vous trouverez également ci-joints la partition au format PDF, prête à être imprimée, au format MIDI, pour en écouter une version synthétique, et enfin les sources LilyPond (2.11.42).

Une question d'articulation

Ce qui frappe évidemment dans ce morceau, c'est l'importance de la ponctuation. Tout est joué staccato (piqué), à l'exception de certains endroits bien précis où des notes sont à la fois liées de deux en deux et accentuées : les lettres sf, qui signifient sforzando en italien, impliquent un accent très sonore, mais sans brutalité.

Autant le dire, tout est donc question de contraste dans la ponctuation. Plus vos piqués seront piqués et vos sforzandos accentués, plus votre morceau sera réussi.

Comment réussir ses piqués ? Il y a plusieurs méthodes pour bien articuler le staccato, voici la mienne :

veiller à mettre un doigté efficace : par exemple pour la main droite, 1 2 1 2 4 1 2 4 est plus efficace que si l'on mettait des 5 ;

garder le poignet bien souple. C'est important pour les deux mains. Si vous tentez de jouer des notes piquées (comme à la m.d.) ou des accords répétés (comme à la m.g.) en bougeant d'un bloc les doigts, la main et le bras, ce sera sûrement très lourd.

ne donner du poids que sur les sforzandos. Tout le reste doit être joué très léger, piqué-projeté avec le poignet bien haut et la main très détendue (je donne toujours l'exemple suivant à mes élèves : imagine que tu as la main mouillée, et que tu veux la secouer pour l'égoutter).

Maintenant, vous pouvez aussi avoir votre propre manière de jouer : l'important est que le résultat soit intéressant et que cela ne vous crispe pas.

Petit parcours (hippique)

Vous aurez remarqué, évidemment, que le morceau commence et finit de la même manière. En fait, c'est même plus que cela : les huit premières mesures sont les mêmes que les huit dernières, et au milieu nous avons huit mesures différentes.

Sachant que les huit premières mesures sont reprises, on a donc

A A B A

sachant que le morceau fait au total 8x4=32 mesures2.

Il y a mieux. Notez que la partie que j'ai appelée « B » est en fait la même mélodie que la partie « A », mais jouée dans une tonalité différente.

Justement, parlons un peu des tonalités. Intéressons-nous tout d'abord aux huit premières mesures, qui forment la partie « A ». Ces huit mesures se composent en fait de deux petites sections de quatre mesures chacune (nous allons les appeler « a1 » et « a2 », en minuscules), qui commencent exactement pareil mais finissent différemment.

Le motif de chaque partie « a1 » ou « a2 est un arpège en croches, staccato, sur l'accord parfait de tonique : on retrouve les trois notes de l'accord parfait, »la-do-mi« (le morceau est en La mineur). Ensuite, à la troisième mesure, un nouvel accord, également arpégé, »mi-sol#-si" : c'est l'accord de dominante3.4

Et que se passe-t-il à la quatrième mesure ? Eh bien, c'est là que « a1 » et « a2 » sont différents : « a1 » finit sur une note de l'accord de dominante (le si), alors que « a2 » finit sur le tonique (le la). L'effet produit est très différent : « a1 » est une phrase suspensive, alors que « a2 » est une phrase conclusive — c'est d'ailleurs elle qui termine le morceau.

Récapitulons :

a1 (suspensif) + a2 (conclusif) = A

Une vraie-fausse modulation

Regardons maintenant la partie « B ». Tout comme « A », elle se compose de deux phrases, l'une suspensive et l'autre conclusive (on pourrait d'ailleurs les appeler « b1 » et « b2 »). Évidemment, c'est un peu différent : la mélodie est maintenant à la main gauche, et dans une tonalité différente.

Quelle tonalité, au fait ? Pour le savoir, prenons les notes de la mélodie et tentons de former un accord parfait : c'est bien sûr « fa-la-do », l'accord parfait de Fa majeur.

Étonnant, ce choix : en principe, la tonalité majeure relative de La mineur n'est pas du tout Fa majeur ! La preuve : en Fa majeur il faut un si bémol à la clé. Si Schumann avait voulu éviter de se casser la tête, il aurait plutôt choisi de faire sa partie « B » en Do Majeur.

Il y a deux raisons à ce choix.

La première est une raison de sonorité. en Do Majeur, la main gauche aurait dû jouer une quarte plus bas, et cela aurait été plus grave, plus lourd.

La deuxième raison est une raison harmonique et musicale. Nous avons dit qu'en Fa Majeur tous les « si » sont bémol.

D'accord.

Mais regardez un peu...

Des « si », il n'y en a pas un seul dans toute la partie « B » !5

Du coup, on se demande si c'est vraiment une modulation (c'est-à-dire un véritable changement de tonalité), ou si ce Fa Majeur n'est pas tout simplement le VI^e degré de La mineur ! En effet, la transition entre « B » et « A », pour terminer le morceau, se fait tout naturellement et sans aucun effort...

Du romantisme classique

On a donc ici un morceau très classique dans sa construction, et bien moins biscornu que certains autres morceaux de Schumann, y compris dans l'Album pour la Jeunesse. Finalement, les seuls indices qui montrent bien que ce morceau appartient à l'époque romantique sont les subtilités harmoniques que nous avons vues, et le rythme de galop ternaire qui, comme je l'ai supposé dans un autre article, semble une caractéristique du premier romantisme allemand.

[1] Ce motif du cheval, sur lequel nous avons eu (et nous aurons encore) l'occasion de nous attarder, est également abordé dans une autre pièce très intéressante de l'Album pour la Jeunesse, le n°23, intitulé ReiterStück — c'est-tà-dire littéralement, Morceau d'équitation.

[2] Vous aurez noté, au passage, que chacune de ces sections commence par une levée d'une croche : au début du morceau, cela produit même une anacrouse, qui est compensée par la croche manquante de la dernière mesure.

[3] Notez le sol dièse, qui sert à former une tierce majeure avec le mi : en effet, même dans une tonalité mineure, la dominante est toujours un accord parfait majeur.

[4] À remarquer également, la formulation de la main gauche : à la deuxième et à la troisième mesure, elle enchaîne un accord parfait à l'état fondamental avec une quarte et sixte, qui constitue comme une double broderie, puis revient sur l'accord parfait. Regardez bien l'accord de ré mineur à la troisième mesure : c'est le quatrième degré par rapport à la tonalité de La mineur, j'y reviendrai dans un instant.

[5] Eh oui : dans la partie « A », nous avions (très brièvement) un accord du quatrième degré : ici, il est absent, et nous ne verrons donc pas si le « si » aurait été bémol ou bécarre.

Louis-Claude Daquin : Le Coucou

Valentin Villenave — 2008-03-12T13:29:26Z

Ce bref morceau a fait la joie des élèves clavecinistes et pianistes depuis des siècles...

Louis-Claude d'Aquin (1694-1772) est un compositeur français du dix-huitième siècle, c'est-à-dire l'époque baroque, plus exactement pré-classique.

Son vrai nom est d'Aquino ; tout comme Jean-Baptiste Lully au siècle précédent, il l'a modifié pour gommer ses origines italiennes (en France on adorait tout ce qui venait d'Italie ; mais porter un nom italien soi-même c'était mauvais pour le business).

Comme beaucoup d'autres grands compositeurs (comme Mozart ou Scarlatti), c'est avant tout un instrumentiste virtuose, et ce dès son plus jeune âge, puisqu'on dit qu'il joua pour le Roi (Louis XIV) à l'âge de six ans !

S'il gagna sa vie avant tout grâce à l'orgue (il fut organiste dans toutes les églises les plus prestigieuses de Paris), c'est un petit morceau pour clavecin que je vous propose de (re)découvrir : Le Coucou.


Le Coucou, Daquin

Vous pouvez télécharger la partition au format PDF ici, et en écouter une version synthétique ici.

(Tous les documents que je vous présente ici sont extraits de l'archive musicale Werner Icking, dont je vous reparlerai à l'occasion.)

Survolons le Coucou

Petit survol rapide (je n'ai jamais joué ni fait travailler cette oeuvre).

On a là une écriture typiquement destinée au clavecin : aucune nuance, aucune liaison (tous ces artifices existent déjà à l'époque, mais ne deviendront incontournables qu'au XIX^e siècle, avec l'invention du piano et l'époque romantique).

Au passage, n'essayez même pas de lier les croches de la main gauche (et plus loin de la main droite) : elles doivent toutes être jouées détachées — d'ailleurs, à l'époque le clavecin n'était guère capable de jouer legato.

Le motif du « cou-cou » est donné à la main gauche, sur accompagnement de la main droite : une disposition bien plus originale que l'inverse.

Le morceau est en mineur (en Mi mineur). On note d'ailleurs que le motif est construit avec une tierce mineure (trois demi-tons), contrairement au motif standard de type « boîte à coucou » qui se joue sur une tierce majeure1. Il s'agit, de toute façon, d'une tierce descendante : un coucou qui monte n'est plus un coucou.

Enfin, pour les amateurs d'harmonie, notons la marche harmonique descendante aux mesures 5, 6, 7, 8 : ces mesures sont exactement identiques, mais on descend d'une note à chaque fois2.

[1] Au demeurant , la chanson Dans la forêt lointaine présente un motif de coucou sur une tierce mineure, comme chez Daquin : mais la chanson est en fait en majeur, et la tierce du « cou-cou » est en fait la tierce supérieure de l'accord parfait majeur (sol-mi si la chanson est en Do majeur).

[2] Petite question pour les amateurs d'harmonie précités : cette marche est-elle modulante ou non-modulante ? Je vous laisse répondre dans les commentaires.

Pour l'anecdote, savez-vous qu'à l'époque où Daquin écrit cette pièce, l'usage était de jouer sans se servir du pouce ? Essayez de la jouer ainsi (juste pour essayer, hein) : vous verrez que ce n'est pas si aisé !

I. a) Découvrir le piano

Valentin Villenave — 2007-12-28T13:00:49Z

Ceci est le début de la première partie : Découvrir le piano

Si tu connais déjà tout cela, tu peux passer directement à la leçon suivante : article 100

Pour mieux comprendre cette leçon, il vaut mieux avoir lu en entier la première leçon de Théorie de la musique : I. Lire et écrire la musique.

Sommaire

Bonjour.

Ajourd'hui, je te propose de découvrir un peu le piano, avant de commencer à en jouer.

Petite mise en garde

Attention, chaque prof de piano a sa méthode, ses astuces et ses idées bien à lui.

Autrement dit, si sur ce site tu trouves des explications différentes de celles de ton prof ou de ta prof, ça ne voudra pas dire qu'il y a forcément une erreur : c'est simplement que l'on peut apprendre des choses très différentes avec des profs différents.

Peu à peu, toi même, tu auras ta propre histoire par rapport au piano, ta propre manière de jouer et tes propres idées. Mais pour l'instant, si l'on te propose d'apprendre différemment, accepte d'essayer chacune des façons, et comme ça tu pourras choisir, au bout du compte, l'idée qui te paraît la plus intéressante.

Oh, le piano, quelle drôle de grosse bête...

Voilà.

Ce truc-là, c'est un piano.

Comme tu peux le voir, c'est un meuble imposant : c'est l'un des instruments de musique les plus lourds et les plus encombrants. On ne peut pas partir en vacances en emmenant son piano dans une valise, par exemple !

Il existe même des pianos encore plus grands (qui coûtent beaucoup plus cher, et qui servent par exemple dans les concerts) : les pianos à queue.

Tu auras sûrement un jour l'occasion de jouer sur un piano à queue ; même si c'est lors d'un concert, d'un concours ou d'une audition, j'espère que tu prendras le temps d'écouter attentivement la différence : le son d'un piano à queue est plus puissant, plus riche et plus expressif.

Mécanisme

Le piano est un instrument un peu à part.

Tu connais sans doute les grandes familles d'instruments :

les instruments à vent, dans lesquels on souffle,
les instruments à cordes, dont on frotte ou on pince les cordes,
les instruments à percussions, sur lesquels on tape,
etc.

Eh bien le piano, difficile de le ranger dans une catégorie toute seule. C'est un instrument qui a des cordes, c'est vrai (tu peux les voir si tu regardes à l'intérieur), mais ce ne sont ni des cordes frottées (comme le violon) ni des cordes pincées (comme la guitare ou la harpe).

On dit que le piano est un instrument « à cordes frappées ». Si tu regardes bien, lorsque tu appuies sur les touches, il y a plein de petits marteaux qui frappent les cordes et font sonner les notes. Du coup, on peut dire que le piano est à la fois un instrument à cordes... et un instrument à percussions.

Le clavier

Comme tu l'as remarqué, le clavier d'un piano comprend des touches noires et des touches blanches.

En général, les élèves qui découvrent le piano adorent jouer chaque note une par une, sous prétexte de compter les touches. C'est surtout pour s'amuser, parce que... Comment ?

Tu veux les compter, toi aussi ? Voyons si tu n'en oublieras pas...

Réponse

Bon, assez rigolé. Voyons voir si tu te souviens de la leçon I. c) Nommer les notes. Comme je l'ai expliqué, chacune des touches du piano sert à jouer une note bien précise : par exemple, à chaque fois que tu vois un groupe de deux touches noires, la touche blanche qui se trouve juste à gauche est un Do.

Nous avons déjà compté combien il y avait de « Do », et nous avons vu qu'en partant de chaque Do (sauf le tout dernier) on pouvait faire une véritable gamme : do ré mi fa sol la si do.

En tout, nous pouvons faire sept gammes complètes sur le clavier du piano : on dit que la tessiture du piano est de sept octaves.

La tessiture du piano

Ce qui signifie que le piano peut jouer des notes très graves, mais aussi des notes très aigües : sa tessiture est très large1 !

En fait, le piano est à la fois le plus grave et le plus aigu de tous les instruments qui existent.

Quel est l'instrument le plus grave à part le piano ? Et le plus aigu ?
Réponse

[1] Pour te permettre de comparer, la tessiture du violon, par exemple, est de seulement trois octaves et demie ; celle de la flûte à bec est d'à peine plus de deux octaves.

I. e) Les notes sur la portée

Valentin Villenave — 2007-11-02T17:10:20Z

Ceci est la leçon I. e), dans la première partie : I. Lire et écrire la musique

Pour bien la comprendre, il vaut mieux avoir lu la leçon précédente : I. d) Clé de Sol et clé de Fa

Si tu connais déjà tout cela, tu peux passer directement à la leçon suivante : I. f) Récapitulation de la première leçon.

Sommaire

À partir de cette leçon, il vaut mieux que tu aies du papier à musique et un crayon. L'idéal est d'avoir un petit cahier avec des portées sur toutes les pages, et un portemine avec une gomme. On peut aussi avoir un crayon à papier tout simple ; mais pas de stylo ou de feutre !

Nous avons vu que les notes s'écrivent sur des portées, soit entre les lignes, soit sur les lignes, et qu'il est important de mettre une clé, de Sol ou de Fa, au début de la portée.

C'est déjà un bon début ; maintenant nous allons voir comment tout cela se passe précisément. Tu devrais être capable, à la fin de cette leçon, de jouer et d'écrire à peu près toutes les mélodies que tu veux, pour toute ta vie ! — Alors mettons-nous au travail.

Dessinons ensemble... ta première partition

Nous allons faire une partition pour piano ; il te faut donc deux portées toutes propres, que nous allons réunir par une accolade, tout à gauche.

Comme je l'ai déjà expliqué, il est absolument obligatoire de commencer par... la clé.

Commençons par la portée du haut, pour la main droite : comme tu le sais déjà, elle s'écrit en clé de Sol.

**Apprenons à dessiner une clé de Sol :**

Place-toi bien à gauche de la portée...	Pose ton crayon sur la deuxième ligne en partant du bas...	Va vers le haut, et dessine un colimaçon (comme un escargot)...


On monte...	On fait une boucle...	On redescend...

... Et le tour est joué !

Au tour de la main gauche, sur la portée du bas ; elle est en clé de Fa.

**La clé de Fa est beaucoup plus facile :**

Toujours bien à gauche...	On place le crayon sur la quatrième ligne en partant du bas, et on fait un gros point...	Puis fais une grande courbe, comme un 9 un peu trop large...

Deux petits points autour

de la quatrième ligne,

et le tour est joué !

Ajoutons quelques notes

Comme tu l'as peut-être remarqué, je compte toujours les lignes de bas en haut. Il est très important de s'en souvenir. Tu as aussi pu remarquer que :

pour dessiner une clé de Sol, on commence que la deuxième ligne ;

pour dessiner une clé de Fa, on commence sur la quatrième ligne.

C'est pour une raison bien simple :

Le Sol de la clé de Sol s'écrit sur la deuxième ligne ; c'est pour cela qu'on l'appelle « clé de Sol ».


Ceci est un Sol: Pas n'importe lequel : le « Sol de la clé de Sol ».

Le Fa de la clé de Fa s'écrit sur la quatrième ligne ; c'est pour cela qu'on l'appelle « clé de Fa ».


Ceci est un Fa: Pas n'importe lequel : le « Fa de la clé de Fa ».

Ces deux notes, quand on les écrit, on un point commun : lequel ?

Réponse

Plaçons un Sol sur ta portée de main droite (la seconde ligne, tu te souviens ?), et écrivons quelques notes en montant, tantôt sur la ligne, tantôt entre les lignes.

Sol... La... Si... Do...

Plaçons, sur la portée de main gauche, un Fa (la quatrième ligne, au cas où tu aurais oublié), et écrivons quelques notes en descendant.

Fa... Mi... Ré... Do...

Et voilà le travail !

Si tu as bien aligné la main droite avec la main gauche, tu devrais avoir maintenant une vraie partition à deux mains.

Je te laisse découvrir si ta partition est réussie ou non : clique ici pour voir le résultat que tu aurais dû obtenir...

I. c) Nommer les notes

Valentin Villenave — 2007-11-01T11:22:32Z

Ceci est la leçon I. c), dans la première partie : I. Lire et écrire la musique

Pour bien la comprendre, il vaut mieux avoir lu la leçon précédente : I. b) des hauts et des bas, des aigus et des graves

Si tu connais déjà tout cela, tu peux passer directement à la leçon suivante : I. d) Clé de Sol et clé de Fa

Sommaire

Nous avons parlé de la hauteur des notes : elles peuvent être aiguës ou graves.

Suivant leur hauteur, elles ne vont pas porter le même nom.

Quand j'allais à l'école, le jour de la rentrée, c'était toujours un peu difficile pour la maîtresse. Une nouvelle classe, de nouveaux élèves : comment faire pour reconnaître tout ce monde ? La maîtresse avait une astuce : elle nous mettait en rang, par ordre alphabétique. D'abord ceux dont le nom commençait par la lettre A, puis par B, et ainsi de suite.

C'est ce que nous allons faire : pour apprendre leur nom, nous allons mettre les notes dans le bon ordre, de la plus grave à la plus aiguë.

Le nom des notes

Do Ré Mi Fa Sol La Si Do

Ce que je viens d'écrire, c'est le nom des notes de musique. Il faut absolument s'en souvenir par cœur1

Quand j'étais petit, je chantais cette chanson :

Do Ré Mi Fa Sol La Si Do Gratte-moi la puce que j'ai dans le dos Si tu me l'avais grattée plus tôt Elle serait pas montée si haut

C'est une bonne idée pour bien retenir le nom des notes. Peut-être que tu en connais d'autres ; dans ce cas-là n'hésite pas à me les envoyer.

Si tu regardes bien, tu verras que cette liste de notes commence et finit par la note Do. C'est un peu comme si tu récitais l'alphabet jusqu'à la lettre Z, mais que tout de suite après tu recommençais à la lettre A. Pour mieux comprendre tout cela, regardons le clavier du piano.

Comment repérer le Do sur le piano ? C'est très facile. Si tu regardes bien tu verras que les touches noires sont regroupées par paquets de deux et trois touches noires : tantôt deux, tantôt trois, tantôt deux, tantôt trois etc.

Le Do est la touche blanche juste à gauche d'un paquet de deux touches noires.

Tu remarqueras qu'il y en a plein.

Si tu joues un Do, puis la touche blanche juste à droite, puis la suivante, puis la suivante, etc. du verras que bientôt tu retomberas sur un nouveau Do. En même temps que tu joues, tu peux chanter, ou prononcer à voix haute le nom des notes, tu verras que ça marche.

Comptons-les, en commençant par les plus graves (la touche noire toute seule à gauche ne compte pas, il faut commencer avec les deux touches noires juste après).

Tu les as comptés ? Combien en as-tu trouvé ?
Réponse

Les notes dans le bon ordre : la Gamme

Ce que tu viens de jouer, cela s'appelle une gamme. Le principe d'une gamme, c'est qu'à la fin, elle recommence : do ré mi fa sol la si do ré mi fa sol la si do ré mi... Tu m'as compris.

Cette gamme, tu l'as jouée en partant d'un Do plutôt grave, et en allant vers la droite, jusqu'à un Do plus aigu.

Petite question : est-ce qu'on peut dire que tu l'as jouée en montant ou en descendant ?

Réponse

Essayons maintenant de la jouer dans l'autre sens.

Do Si La Sol Fa Mi Ré Do

Il va falloir te souvenir par cœur du nom des notes dans les deux sens : en montant, et en descendant. Je t'encourage à prendre l'habitude de la réciter à tes parents, à ta famille, à tous ceux qui voudront bien t'écouter, même s'ils finissent par en avoir assez. Tu pourras leur répondre « C'est Valentin qui l'a dit », comme ça ça me fera un peu de pub

Attention tout de même. Je t'ai parlé de ma maîtresse quand j'allais à l'école : une fois qu'elle se souvenait bien du nom de tous ses élèves, on n'était plus obligé de rester en rang ; on pouvait aller s'asseoir comme on voulait, à côté de ses copains ou copines.

Là encore, c'est pareil avec les notes. Maintenant que nous connaissons bien leur nom, nous pouvons nous en servir dans le désordre — heureusement : sinon tous les morceaux de musique ressembleraient à des gammes !

[1] Attention quand même à ne pas faire d'erreur : ainsi, une petite fille m'a récité un jour « Do-Ré-Mi-Fa-Sol-La-Sidonie »... C'était très mignon, mais malheureusement complètement faux...

I. d) Clé de Sol et clé de Fa

Valentin Villenave — 2007-10-29T13:54:26Z

Ceci est la leçon I. c), dans la première partie : I. Lire et écrire la musique

Pour bien la comprendre, il vaut mieux avoir lu la leçon précédente : I. c) Nommer les notes

Si tu connais déjà tout cela, tu peux passer directement à la leçon suivante : I. e) Les notes sur la portée

Sommaire

Maintenant que nous connaissons bien les notes et leur nom, il faut que je te parle de deux petits dessins très importants, qu'il faut connaître et reconnaître dès que tu les vois (dans la prochaine leçon tu apprendras à les dessiner toi-même).

Deux clés à bien connaître

Ces petits dessins, tu les connais peut-être déjà :

Clé de Fa

La clé de fa (quatrième ligne en partant du bas)

Clé de Sol

La clé de sol (deuxième ligne en partant du bas)

Si tu ouvres une partition, tu verras qu'on trouve toujours l'un ou l'autre de ces signes au début de chaque portée. C'est ce que l'on nomme une clé.

Pourquoi ces deux clés ?

Parce que, comme nous l'avons vu, les instruments n'ont pas tous la même tessiture.

la clé de Sol sert à écrire des notes aiguës :

Clé de Sol

La clé de sol (deuxième ligne en partant du bas)

la clé de Fa sert à écrire des notes graves :

Clé de Fa

La clé de fa (quatrième ligne en partant du bas)

Voyons si tu as bien compris...

... Et le piano ?

Nous avons vu que le piano pouvait jouer des notes très graves, mais aussi des notes très aiguës. En fait, c'est même l'instrument le plus grave de l'orchestre (devant le contrebasson), et en même temps le plus aigu (devant le piccolo). Ce n'est donc pas un instrument comme les autres.

Eh bien le piano, il s'écrit sur deux portées :

une portée en clé de Sol, pour la main droite

une portée en clé de Fa, pour la main gauche.

Et pour bien montrer que ces deux portées vont ensemble (que les deux mains doivent jouer ensemble), on réunit ces portées par une accolade :


Une partition pour piano: Deux portées, pour chaque main, réunies par une accolade

Quand des portées vont ensemble comme ici, on appelle cela un système.

Récapitulons

Bien ! Les choses sérieuses commencent !

I. b) des hauts et des bas, des aigus et des graves

Valentin Villenave — 2007-10-24T10:20:58Z

Ceci est la leçon I. b), dans la première partie : I. Lire et écrire la musique

Pour bien la comprendre, il vaut mieux avoir lu la leçon précédente : I. a) Petite introduction

Si tu connais déjà tout cela, tu peux passer directement à la leçon suivante : I. c) Nommer les notes

Sommaire

Nous avons vu que les notes, sur la portée, s'écrivent soit sur les lignes, soit entre les lignes.

Comme il y a plusieurs lignes, on peut placer les notes ou on veut : plutôt en haut, ou plutôt en bas de la portée. C'est ce que l'on appelle la hauteur des notes.

Comment choisir cette hauteur des notes ? Tout dépend si tu veux écrire des notes plutôt aiguës ou plutôt graves.

les notes aiguës sont placées vers le haut

les notes graves sont placées vers le bas

Monter, descendre

Il y a donc de la musique qui monte et de la musique qui descend.

Complète la phrase suivante (si tu ne sais pas quels mots mettre, clique sur Indices) :

En général, c'est un moment du cours que les élèves aiment bien : pour montrer un exemple de musique qui monte, on fait des gros pâtés (par exemple en appuyant sur le clavier avec toute la paume de la main), un pâté grave, puis un pâté au milieu, puis un pâté plus aigu, etc. Puis l'inverse.

Même la musique, parfois on peut la faire salement. C'est rigolo, et ça aide à comprendre. Mais attention : ce n'est pas comme cela que l'on doit jouer les morceaux !

Et sur la portée ?

Sur la portée, c'est pareil.

Si tu regardes les notes de gauche à droite, tu verras qu'elles vont vers le haut ou vers le bas : la mélodie monte et descend. C'est ce qu'on nomme la ligne mélodique.

Quand les notes dépassent de la portée vers le haut ou vers le bas (c'est-à-dire quand elles sont trop aiguës ou trop graves), on rajoute des lignes supplémentaires.

Pour récapituler

Une note « haute » et une note « aiguë », c'est pareil.
Une note « basse » et une note « grave », c'est la même chose.

Sais-tu comment on appelle deux mots qui veulent dire exactement la même chose ?

Réponse

I. a) Petite introduction

Valentin Villenave — 2007-10-24T10:20:22Z

Ceci est le début de la première partie : I. Lire et écrire la musique

Si tu connais déjà tout cela, tu peux passer directement à la leçon suivante : I. b) des hauts et des bas, des aigus et des graves

Comme toutes les matières, la musique demande un vocabulaire particulier. Clique sur les mots soulignés pour en savoir plus.

Sommaire

Quelques termes importants

La musique s'écrit dans des partitions, sur des portées de cinq lignes. On place les notes sur les lignes ou entre les lignes.

Les mots à retenir

une partition

une portée

les cinq lignes de la portée

Deux adjectifs à savoir et à comprendre

Il y a aussi deux autres mots très importants à retenir, cette fois ce sont des adjectifs.

l'adjectif aigu

l'adjectif grave

Les notes peuvent être graves ou aigües. C'est une différence très importante.

Si tu as un piano, tu peux t'en rendre compte facilement : commence par aller jouer quelques notes au bout du clavier, sur ta droite.

Tu entendras des « petites » notes, qui peuvent par exemple te faire penser au chant des oiseaux. Ce sont des notes aiguës.

Maintenant, va jouer quelques notes tout à gauche du clavier mais PAS TROP FORT

Ce sont des notes graves. Tu as sûrement entendu la différence : ça évoque plus l'éléphant que les oiseaux...

Chacun sa voix

As-tu une voix d'éléphant ou d'oiseau ?

Je m'explique : chacun a une voix différente. Si tu téléphones chez un copain ou une copine, tu sauras tout de suite si c'est son papa ou sa maman qui te parle au bout du fil.

Par contre, cela t'est peut-être déjà arrivé (moi ça m'est arrivé souvent quand j'étais petit, je trouvais ça très pénible), de répondre au téléphone quand tes parents ne sont pas là et que la personne qui appelle te dise « Bonjour, Madame »...

En effet, les hommes et les femmes n'ont pas la même voix. Les hommes ont plutôt une voix grave, et les femmes une voix plus aiguë.

Et les enfants, comme tu le sais certainement, ont une voix plutôt aiguë, qui peu à peu va se transformer en voix d'homme ou de femme, selon que l'on est une fille ou un garçon.

Pour pouvoir décrire les notes aiguës et graves sans se servir du piano, nous allons parler des instruments de musique que l'on trouve dans un orchestre. Essaye de te souvenir des musiques que tu as pu entendre, ou voir en concert.

Dans un orchestre, il y a des instruments plutôt aigus, et des instruments plutôt graves. Chaque instrument a sa voix, ce qu'on appelle sa tessiture.

Si tu connais déjà tout cela, tu peux passer directement à la suite.